Costume Jewelry: Eine Geschichte von Imitation, Erfindung und Freiheit

Bevor wir uns auf die Reise gemacht haben Modeschmuck für Maison Rivée zu sourcen, wollten wir seine Geschichte verstehen und die Rolle, die er bei der Gestaltung des persönlichen Stils von Frauen in den letzten Jahrzehnten gespielt hat.

Von der Nachahmung zum eigenen Genre

Der Begriff Modeschmuck entstand Anfang des 20. Jahrhunderts, als sich die Mode allmählich von starren Klassensystemen löste. Zuvor war Schmuck vor allem ein Zeichen von Reichtum und Herkunft. Gold, Diamanten und Edelsteine signalisierten den sozialen Status; Schmuck war nicht verspielt, sondern Ausdruck der Persönlichkeit.

Dies änderte sich in den 1910er- und 1920er-Jahren grundlegend. Fortschritte in der Fertigung machten Glassteine, plattierte Metalle und synthetische Materialien weit verbreitet. Noch wichtiger war jedoch der Wandel der Einstellung. Schmuck musste nicht länger einen Wert an sich haben – er musste vor allem ansprechend aussehen .

Designer begannen zu verstehen, dass Schmuck eher als Teil eines Outfits als als dauerhafter Besitz dienen kann. Diese Unterscheidung legte den Grundstein für Modeschmuck als eigenständige Kategorie, bei der das Design und nicht der materielle Wert im Vordergrund steht.

Die moderne Frau und der Aufstieg des Modeschmucks

Keine Persönlichkeit verkörpert diesen Wandel deutlicher als Coco Chanel . In den 1920er-Jahren kombinierte sie bewusst Imitationsperlen mit echtem Schmuck und trug mehrere Lagen unechter Perlenketten mit derselben Selbstverständlichkeit, die einst Diamanten vorbehalten war. Ihr Ansatz war ideologisch motiviert: Schmuck sollte dem Stil dienen, nicht dem Status. Und wie Chanel einst kundtat:

"Costume jewelry is not made to give women an aura of wealth, but to make them beautiful."

Gleichzeitig führten Häuser wie Elsa Schiaparelli den Modeschmuck in den Bereich des Surrealismus. In Zusammenarbeit mit Künstlern entwarf Schiaparelli Broschen in Form von Insekten, Lippen und mythologischen Wesen – Objekte, die wenig mit Kostbarkeit und alles mit Fantasie zu tun hatten.

Bis heute führt Schiaparelli die Diskussion an der Schnittstelle von Mode, Kunst und Schmuckdesign an. Unter der kreativen Leitung von Daniel Roseberry wurde dieses Erbe in der Spring/Summer-2021-Kollektion eindrucksvoll unterstrichen.

Einer der meistdiskutierten Momente war das "Lungen-Collier", das Bella Hadid bei den Filmfestspielen von Cannes trug. Eine anatomisch anmutende Kreation, die im Nachhall der Covid-19-Pandemie geradezu wie eine popkulturell-seismographische Entscheidung wirkte.  

 

Hollywood-Glamour und Massenappeal

Die 1930er- und 1940er-Jahre gelten in den USA als das goldene Zeitalter des Modeschmucks. Hollywood spielte dabei eine entscheidende Rolle. Filmstudios statteten Schauspielerinnen mit auffälligen, übergroßen Schmuckstücken aus, die vor der Kamera besonders gut zur Geltung kamen. Diese Designs – oft aus Strasssteinen, Glas und unedlen Metallen gefertigt – schufen einen ganz neuen Look.

Designerinnen wie Miriam Haskell haben Modeschmuck durch handwerkliches Können auf ein neues Niveau gehoben. Haskells Stücke waren handgefertigt, detailreich und auf den ersten Blick oft nicht von echtem Schmuck zu unterscheiden. Ihre Arbeit bewies, dass Nachahmung nicht mit Minderwertigkeit gleichzusetzen ist; sie spiegelt lediglich andere Wertvorstellungen wider.

Auch Frauen, die sich mühelos Echtschmuck leisten konnten, entschieden sich bewusst für Costume Jewelry. Ikonen wie Joan Crawford und Lucille Ball ebenso wie Gloria Vanderbilt oder die Duchess of Windsor trugen Modeschmuck als festen Bestandteil ihres Stils. Joan Crawford besaß Berichten zufolge nahezu jede Schmuckkollektion, die Miriam Haskell zwischen den 1920er- und 1960er-Jahren entwarf.

Während des Zweiten Weltkriegs beschleunigte die Materialknappheit den Einsatz von Alternativen zusätzlich. Bakelit, Acrylglas, Holz und Textilien ersetzten Metalle und Edelsteine. Diese Einschränkungen führten zu einigen der innovativsten Schmuckdesigns der Geschichte.

 

Weitere wichtige Costume Jewelry Designer:innen 

Das italienische Haus Trifari (gegründet von Gustavo Trifari) zählt bis heute zu den einflussreichsten Schmuckhäusern des 20. Jahrhunderts und prägte das Costume Jewelry der 1930er- und 1940er-Jahre maßgeblich. Während des Zweiten Weltkriegs entwickelte die Marke ikonische Entwürfe, die patriotische Symbolik mit hoher handwerklicher Qualität verbanden. Besonders bekannt wurden die sogenannten Jelly Belly-Broschen, bei denen transparente Lucite-Elemente mit vergoldeten Metallen kombiniert wurden.

Alfred Philippe brachte die Sprache des Echtschmucks in den Modeschmuck. Nach seiner Tätigkeit bei Van Cleef & Arpels wechselte er zu Trifari, wo er klassische High-Jewelry-Techniken auf Costume Jewelry übertrug. Seine Entwürfe aus den 1940er-Jahren zeichnen sich durch klare Formen und hochwertige Fassungen aus.

Eisenberg Jewelry war bekannt für seine ausdrucksstarken, großformatigen Broschen mit aufwendigem Strassbesatz. In den 1940er-Jahren griff das Unternehmen militärische Abzeichen, Schleifen und Medaillenformen auf und verwandelte sie in dramatische Schmuckstücke.

Auch eine gebürtige Wienerin mischte sich in die Modeschmuckwelt ein und wurde zu einer millionenschweren Unternehmerin. Ihr Name: Hattie Carnegie (geborene Henrietta Kanengeiser). Erst gründete sie das nach sich benannte Modehaus, dann entwickelte sie eine eigene, stark modebezogene Schmucklinie. Während der Kriegsjahre ergänzte Costume Jewelry ihre Kollektionen als integraler Bestandteil des Gesamtlooks. 

Nachkriegsoptimismus und ausdrucksstarkes Design

Die 1950er- und 1960er-Jahre waren geprägt von einem erneuten Überfluss. Modeschmuck wurde größer, glänzender und extravaganter. Strass-Paruren – aufeinander abgestimmte Sets aus Halsketten, Ohrringen und Armbändern – wurden zu Symbolen des Nachkriegsoptimismus. Schmuck sollte funkeln und Feierlichkeiten statt Beständigkeit signalisieren.

Wichtig war vor allem, dass diese Stücke trendorientiert waren. Im Gegensatz zu Echtschmuck passte sich Modeschmuck den Silhouetten, Saumlängen und Frisuren an.

Warum Vintage-Modeschmuck heute noch wichtig ist

Heute wird Vintage-Modeschmuck neu bewertet.

In einer von Nachhaltigkeit, Individualität und archivorientierter Mode geprägten Kultur bieten diese Stücke etwas, was zeitgenössischer edler Schmuck oft nicht bietet: Freiheit.

Sie erzählen Geschichten von Rollenwechseln, wirtschaftlichen Umbrüchen und ästhetischen Experimenten. Eine Glasbrosche aus den 1930er-Jahren zeugt von Widerstandskraft in schwierigen Zeiten; ein Acrylarmband aus den 1960er-Jahren spiegelt Optimismus und Futurismus wider. Anders als moderne, massenproduzierte Accessoires trägt Vintage-Mode-Schmuck die Spuren seiner Epoche – Designentscheidungen, die im jeweiligen kulturellen Kontext verwurzelt sind.

Sammler und Stylisten suchen zunehmend nach unsignierten Stücken und legen mehr Wert auf Design als auf Markenbekanntheit. Zustand, Verarbeitung und Originalität sind wichtiger als die Materialien. Was einst als „Kostüm“ galt, wird heute als historisches Design verstanden.

Jenseits von „echt“ und „Fake“

Die Tradition des Modeschmucks stellt die Vorstellung infrage, dass Wert an sich gegeben sein muss, um bedeutungsvoll zu sein. Diese Objekte waren nie als Wertanlage gedacht; sie sollten getragen, genossen und ausgetauscht werden. Ihre Kraft liegt im Ausdruck, nicht in der Beständigkeit.

Vintage-Modeschmuck erinnert uns daran, dass es bei Schmuck nicht um den Preis geht, sondern um das, was er aussagt. Und manchmal erzählt die Imitation die wahrhaftigste Geschichte von allen.

 

 

Für alle, die noch tiefer in die Materie einsteigen möchten, bietet ein kürzlich erschienenes Buch mit dem Titel „Costume Jewelry“ von Carol Woolton, Maria Luisa Frisa und Luciano Romano, herausgegeben von TASCHEN, einen umfassenden Einblick in die Ursprünge, das Design und die kulturelle Bedeutung des Modeschmucks.

 

Fotos von Maison Rivée, Getty Images über Unsplash, Ajaila Walker über Dupe